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[资讯] 歌曲作曲的一般技巧

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发表于 2004-9-24 | |阅读模式
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歌曲作曲的一般技巧6 {3 Z5 v+ g! C- M# I/ H

/ f3 v* W3 O- T! y( |8 h. k6 Z     作曲并不神秘,虽然它有一定的门坎,但我认为只要对歌词有一定的理解力,有良好的乐感,就可以学习了。作曲当然要遵守音乐的规律,但各人的方法和技巧又有不同之处。如,有的人习惯先有词后作曲,也有人习惯先有曲后填词的(香港、广东人多)。有人先作一个总体的构思然后再动笔,有人完全按照感觉来写,认为按照下行5度和弦圈的经典走位来写旋律不会难听。但我看,要创作一首完整的好歌曲,基本的技巧和方法还是不能没有的。这里说一下基本的创作技术问题。0 T* \% T4 m9 y! @

* m6 e* Y6 |- v5 Z2 Y                           一、主题
6 Y  p# e# U) x. ?+ o     一首歌的音乐,要有一个能够集中地概括整个作品的思想、感情、性格的音乐主题。乐曲的长短要根据内容而定,象一条主线贯穿全曲。歌曲的音乐主题往往是根据第一句歌词的特点所创作出来的,有些歌曲的主题,往往根据半句歌词加上衬字拉开来创作的,也有一些歌曲的主题,加了许多虚词和衬字把主题加长了。4 e5 w4 \( [+ X
     一首歌乐曲主题的配制,首先是从研究歌词开始的,要进行反复吟颂,借此来了解歌词的意境,进行研究分析,并对歌词作修改和修整。要形成准确、鲜明、生动的音乐主题形象,才能正确深刻地表现词意的思想内容;其次,对于体材也要选择合适的,根据内容需要量体裁衣,以增加作品的表现力和艺术感染力。; T7 J0 d( l) `7 Q
                        二、发展
. m! E5 d4 W9 |) v% X2 T/ @" H( B  w% }8 H% l9 [/ X
      1、段落
' d' g0 z# K# j3 {7 v  Z8 a     音乐的发展安排在合理的作品结构之中,歌词的结构是音乐段落结构的重要依据。段落分一段体,两段体,三段体等。比较常见的是两段体和三段。! N5 d$ z3 R" V) I4 M; g9 X

) _( h. N& P& c5 Y2 s/ j# s     段落可以分为对比和类似形式。对比,如:前面比较舒缓,后面比较高昂;前面比较紧凑,后面比较庸散。从文学上分析,如果你想用对比来创作的话,前面是叙事的话,后面一定要改成抒情。从音乐上说,前面如果旋律比较平,后面就大胆的多点起伏,前面节奏多用4分音符的话,后面就用8分或16分音符。从而起到对比的作用。在编曲上可以更明显地看到,一般副歌部分总是比较高潮,而前面总比较缓慢。但这也不是绝对的。2 O! t- a& T9 \
     一段体的大多都是小歌,如兰花草,雪绒花等等。学吉他的人一定知道,是吉他入门的必弹曲。如果写得好,那也是非常精致的东西。但一段体对旋律要求非常高,旋律一定要好听,否则不行。现在三段体的也很多,如陈亦讯的十年(也有人把第二段看作起承转合中的转),那英的征服(在歌后面有一段把情绪推向高潮的人声部分)等等。
; R9 p" X% o, ]* r+ k3 o     数学里面有黄金分割点,人们在美术、音乐等艺术领域都很注意这个点。按照美学观念它是最完美的点。一首3分钟的歌,在黄金分割点上,大概2分多钟的时候,总是一个歌最最好听的地方,他或是高潮部分,也许是一首歌最最精华的部分,在编曲上尤其是这样。黄金分割点,是最容易打动听众的点,也是最容易渲染感情的点。  
  A& w( U# e( g; H9 ~9 k% K& g( [3 O2 p" q& Z) }' d' _' D9 ?
  2、重复
* O( g4 N; C* ~9 x& E+ w4 H* m
: R. C. [. @0 [' q6 d( n# w8 v3 f重复永远是音乐中的不二法门,从段重复到小节重复,几乎每个作品中都可以看到他的影子。(重复也是同度模进)。重复的技巧也很多,移位重复还包括严格移位和混合连续移位。1 m7 l3 K/ `7 b0 o  O  ~
      3、倒影1 u( g0 Q, B' N8 V* m

% R3 d9 h, O& P9 j- A7 H# o7 _. |它就像我们在水边,看到自己的影子。如:33345 33321。
' g6 \, B1 w) I    在五线谱中,以3横线,就会发现,345往下翻180度的话,其旋律线条就会和321吻合。这样写出来的旋律,不会很散。
# i8 W9 t" `9 Y       4、模进* F" X2 v! X1 E: d4 J  S. N

( d+ i( k9 r0 p3 \2 r6 J模进分严格模进和自由模进。严格模进,要求各旋律音程之间完全一样,旋律线条也要完全一致。如:3323 2212 。自由模进,则没有这个限制。如:1123 3345(1和2之间是全音,3和4之间是半音,音程不同)       $ d3 C0 R" s$ ?/ k
      5、对格
% H8 e: s" \, U" ]. v2 g  T
) z" [% k) J: l8 h各艺术门类都是相通的。在文学创作中的某些技巧,放到音乐里也完全适用。在一些人写的诗联,第一句的最后一个字,是第二联的第一个字。放到音乐中的话,就是第一句最后一个音符,是第二句的第一个音符。然后依次类推。如:123 312 234 465,前面的最后一个音符,是后面的第一个音符。李宗盛有时通篇都使用对格的技巧。 $ I" o5 M" T3 M) c( i4 {5 I8 t+ R6 `

6 x0 V* P8 |; o% w) m       6、变音, p( ^% v% z; @; b
9 T' ~" v! y2 u6 t/ S
一般而言是指升降音符。用一些变音,会给人带来新鲜的感觉,也容易使情感更加饱满。" q) k7 D% _, Y/ Q4 E

3 W1 Q9 u8 ^/ R4 W% l歌曲变音用得如何,很大程度上看作者对旋律的把握程度。一般来说,表现明亮色彩的歌曲用大调,相反,表达忧伤或温柔的歌曲用小调。我们也可以把大调的3音降半度,来表达忧伤或温柔。在小调中,多使用#4和#5,是不会有错的,因为小调的上行音阶中本身就包括#4和#5。如果想写一段带有JAZZ风味的旋律,除了节奏上多用切分音符外,用b3和b7是不二法门,其实,这也是JAZZ的特有音阶。; C" O% ^8 ]2 m9 q$ n# _
    例如,罗大佑在爱的诤言里,A段第三句,用了#1 2 3的级进,给人一种忧伤的感觉,而且非常新鲜。李泉的爱的颜色中,用了:5 6 7 #1的旋律级进,四个全音连续上行,把感情发挥到了极至,也给人一种耳目一新的感觉。橄榄树是一首非常经典的老歌,作者用了#4作为承上启下,收到非常好效果。如果改用4的话,旋律色彩就会大打折扣。8 z3 C# ^2 s6 }2 \6 _9 ^" q; C( A6 j8 A* B

6 A3 l7 S( Y; P) R! b   7、浓淡疏密+ D$ Z8 j$ m, i8 g
     1:疏密有致。国画讲究疏可跑马,密不透风,有疏有密。在音乐中,前面几小节如果节奏部分非常密集,后面一定要多写些长音。如果前面旋律起伏非常大,那么后面一定要把旋律安排得平稳些,以起到一个平衡的作用。
5 V! O& I$ O: ~$ }8 H6 ~8 }# g     2:深浅分明。国画讲究墨色深浅枯湿,分深、浅、灰等五色。在音乐作品中,如果前面两小节都使用了上行的旋律,如:1123 3345,那后面你最好使用下行或者平行的旋律,如5442等,这样让人感觉旋律有起伏有变化了,听觉上比较舒服,也符合自然规律。- I1 E: Q+ d3 Q
     如,开头第一到第二句,旋律从低音5直线上升,且不带拐弯地到达高音1,音程跨度纯四度+纯八度。第三句开始慢慢下降,从高音1下降到底音6,音程跨度8度加小三度。给人感觉旋律起伏很大,感情全部发挥出来了,然后第四句旋律开始走稳。
! Y, s- b; W) C5 ?       8、调式/ T; P! _2 [2 a7 T
     在古典音乐里,用什么调?抒发什么情感?需要的音乐效果是明亮的?还是灰暗的?或是雄壮的等等,都有严格的要求。
: w' s1 o+ q4 e     但在当今的许多歌曲,特别是流行音乐里,几乎没有这种限制了。现在作曲家对歌曲的定调,一般是根据歌手的音域来确定的。男歌手一般最高音定在G上。(钢琴上叫小字二组G,吉他上是第一弦的第三品)。如果太高,降一度也够了。女歌手音域要比男的高八度,所以,一般最高音定在B上(钢琴是小字一组B。吉他是第二弦空弦)。太高的话也降一度。当然,这也不是绝对的,只是一个大致的范围,听说帕瓦罗蒂可以唱到高音#C。大家可以在琴上感觉一下,钢琴是小字三组的#C,吉他是第一弦第九品。
7 W9 [" k) H& H8 `
. W  e6 l+ F+ w5 I+ x) I  l  J# @4 M  9、变调
0 N  Z) x  B0 d+ b- e, @6 \9 h$ G+ P% Y- c) A. \# a4 W
我在江西、北京两次听到张千一讲自己的歌曲创作体会,每次对转调的问题都谈得特别多。调性的对比,确是非常重要而有趣的,一首歌前面如果是小调,后面可改用大调来发展。前面如果是C调,甚至你可以在后面安排bE大调(就是C小调),都是可以的。这样能让听众有耳朵一亮的感觉。但不要忘记,调是为歌服务的,转调是为了更好的抒发情感。所以不管你转成什么调,一定不能单纯为了转而转,音乐也要有再现。
% f7 ^/ [5 }8 d/ E5 Z    齐秦的《大约在冬季》,他在第一段开头用大调 1,结尾是小调 6,副歌部分也是小调,很好地抒发了离别的情绪。 张国荣的“共同度过”,本来旋律并非很出彩,副歌部分也是一般,但作者连续用了四个转调,把感情全部唱出来了。    转调技术在间奏里用得也比较多,还有离调,但这是编曲的范围。如果间奏忽然转调了,那么在结尾的时候,一定要再转回原调。. _4 [; x5 |, c" U% X
     调式的学问很多,在印度的音乐里,把3和4这一对半音兄弟,再切一半,变成12音音阶,更难唱。光音阶上的变化就有几十种,还分上行和下行,还不包括临时变音等,很难懂。
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在大多的编曲书中,都说结尾一定要5级和声转到一级和声。是C调的话,结尾一定要从G到C才可以,不然不及格。但有不少歌曲里面结尾并不到C,而是G到#G(就是#5 1 #2),在听觉上非常新鲜。还有G到G增和弦。就是(5 1 2)也非常新鲜。有一种意犹未尽的感觉。
" c% t- b+ ~7 o; s" }6 r7 b4 }     10、起承转合。
$ U  l* e. x0 ^3 r1 L" X" T     中国的诗词歌赋是要讲究起承转合的, 四句式的歌曲或歌曲主题部分也有起承转合音乐结构的。* p5 |3 v4 ?0 p0 T

; K  C& O- P, V$ h; X6 T0 Z5 J开头的第一句就是起,一般都是有音乐动机组成的,是写歌的一个动机所在。6 U5 M; Y! k  k/ ^) A, h

( u7 ]8 u4 F$ Z/ H8 n第二句就要相承了。
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第三句就是转,是主歌部分最精华所在,很多优秀的音乐人都在这里大做文章。如果前面两句用上行旋律比较多的,第三句一定不要用,改成下行。前面如果旋律比较平和,到这里,一定要写的凹凸些,就象美女的线条。用一些变音什么的,节奏改一些,也是非常常见的手法。
3 B- W9 f8 q% E+ M& @     第四句叫合。是前三句的总结,有人把第一句照搬,那是最简单的办法。也有人把前面三句用到的动机,整合在一起作为第四句,也未尝不可。实际上,创作手法是多样化的,主要看情绪发展,你想表达什么。
. q) ~8 Q+ g: C; l: [4 w     11、词曲配合。3 p8 a1 {( T* [8 e# R
     汉字有本身的发音,1、2、3、4声,念的时候,大家都严格按照发声的,上入声,本来也包含了音乐成分在里面。如果没有按照发声规律念,很容易就变成另外的意思了。而在音乐创作中,这是最最忌讳的。
7 J# Z. P8 e4 }0 m+ b2 j     如果歌词的感觉是摇滚的,曲子却写成民谣的,听上去感觉一定不行。曲子是古典风味的,而词的感觉却是很现代的,感觉就会很别扭。齐豫以前有盘专集,曲子都是从古典音乐里出的,新填上词来唱,感觉不好。因为那是人家为器乐而写的曲子,改成人声了,当然不好。
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12、最高境界。# i$ B: i7 N' U' O  {0 p8 e
     鲁迅先生说过,文学的最高境界就是,添一字嫌太肥,减一字嫌太瘦,就是说,好的文章,你一个字都不能增减。好的曲子也是一样。加任何一个音符进去,你都觉得不好,删除任何一个音符,你都觉得不对,到了那个时候,就是曲子最完美的时候。如果对巴赫的复调加音符进去,就会发现,加在任何一小节,其他地方都要作很大的改动,而改好之后,又会发现完蛋了,不能听了。 但歌曲有所不同,因为要加歌词。词,是为曲服务的,是依附在曲子上的。所以宁可让词牺牲点,也尽量不要去改动曲子了。  ?& k; S& @% h8 c. t9 V$ h/ _
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发表于 2004-9-24 |
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