|
|
发表于 2016-7-7
|
|阅读模式
1.不要打破风格的统一性。
! P4 p& P( P7 M- m9 I4 m t' y+ f6 J S1 C+ m
风格的统一包括旋律、和声、节奏、配器等方面的统一。. J8 U+ {) g) M2 A; U: E- A
1 T& T) a- Z; J* \1 J; J
1）先说和弦，主要是张力的控制与链接要与风格相适应。比如你编一首当代爵士，那么最好不要出现三和弦，最好七和弦也很少出现，否则全曲都是各种变音和弦，突然一个三和弦会让人觉得“这个地方和弦配错了”；而如果你编一首华语流行歌，或者是easy-listening的话，不要用9和弦以上带变音的和弦，有许多华语流行歌可以用来当反例，前面全部都是清一色的七和弦，偏偏到结尾的地方喜欢用个7b9或者7#9-7b9这种和弦及进行来结束，这不仅不能表现你编曲有多厉害，知道多少和弦，反而会使得整个曲子一下子就变俗了，还不如老老实实地V7或者V9接I。总之就是一句话：保持当前的和谐程度，如果一直都是不协和的和弦，不要突然用太协和的和弦，反之亦然。2 x- C1 }9 H' J6 h$ m( r) ?
3 r: d+ P' k2 t. }
所以和声方面的话，编曲之前先想好，这个曲子是以三和弦为基调呢，还是以七和弦为基调呢，还是以爵士和弦为基调，然后后面就严格按照这个来。个人十分不建议在流行歌里突然用一个爵士和弦这种做法，要用就全曲大量用，否则就干脆别用。
7 [# h5 L$ d/ L% C+ n( Y) ]3 R- L% f" r# G* w
2）关于旋律，和和弦其实类似，也是要控制好张力。比如你整首曲子的主干旋律音都是和弦的根35音的话，那么就一直保持这个张力就好，偶尔用一用7、9可以使得曲子很有色彩。而如果是一首当代bossa之类的，全曲的旋律选的都是9,11,13及b13,#9这类变音的话，那么就保持住张力，偶尔用一用1357也是可以的，但是不能前面的乐句的主干音是#11、b13、b9，下一句突然一句都在135上，这样会让人觉得曲子坏了……
+ l* h1 @1 ?7 v0 r6 j# ^( x1 I4 x0 u1 J
3）节奏也是一样，节奏统一并不是说必须得有一个固定的节奏型，节奏型可以各种换，各种丰富，但是节奏的特点得保持住。比如一首Funk，节奏会很复杂，节奏型很多，但是其特点就是16分音符以及强调反拍，保持住这个特点，节奏再花也没关系，但是如果你节奏型都是一样的，但是前面强调反拍，后面又像莫扎特奏明曲一样强调正拍，那么这个曲子就不“正”了，如果强调正拍的基础上，律动也改成了8分音符或者是三连音，那么这首Funk应该是没法听了。. W$ @" H$ L" g# n6 s7 B; ]2 q
, {9 r$ |- j" g& R$ ?% X' p3 f
4）配器也是编曲的风格的重要组成部分，这个大家都懂，不多说啦。大家应该都不会用失真电吉他去给bossa当节奏吉他，用dubstep里的贝斯去walking的~% [# i3 H5 U* \5 ^& H+ j+ G
) @ Q+ ?5 o0 D, r+ } 2.不要加太多乐器。
. ]- b6 ~ Y, b' [4 i2 O: O
6 o* ~( g" [$ G 很多人盲目追求轨数，经常会做七八十轨甚至上百轨的工程。说实话，早期的我也是属于这个中二阵营的，觉得轨数多=厉害，因此经常做着做着就把cubase做崩溃了。直到后来在音频应用上听到了许多业内大师的编曲，才发现写好一轨比堆100轨要难得多也厉害的多。做Fusion比较厉害的那些老师，通常也就在10轨以内，但是每轨都发挥了最大的效果。不要加太多乐器，每个乐器都发挥其最大的特性，曲子自然档次就上去啦。& }8 J/ o" X( ^
L; ]; T- }& C3 m. r/ v
3.不要变成音源控。3 p3 F" H& d( W
( J+ Z. _: |# {
优秀的音源当然可以提升自己的作品质量，但是，如果已经用了很好的音源了，就不要盲目地去继续追求新音色库了，或者说，不要把主要精力花在这个上面。可以去（C:\windows\media）下面听一听示范曲onestop、town和flourish，别人用midi写的是不是比你用几百GB的音源写出来的好听呢？所以认真钻研每个音色和自己的midi制作水平才是提高的重要途径，比一味追求最好的音源重要多了。
. E0 p8 w U5 w2 }- j8 Q5 f; t& G+ E
4.不要改速度。
& `4 _" ^/ J$ P* H
% f5 Y+ K- H/ p 编曲可以改变拍号，可以偶尔变个速度，但是不要经常变。通常编曲一般就是一个速度到尾的，除非是做rubato的独奏之类（直接出谱找人实录会更方便）。
2 e2 ^6 {- ~& O- Q9 [
2 F& H& @* B9 R7 k3 z 5.不要“做的太细”。
( _6 l; _( `' H F; w* y/ W, ^; f: l! Z% x% {+ Z
编曲的细节越丰富，通常质量就越高这个是肯定的，但是这些细节指的是可以被人注意到的细节。这里不要做太细的“细节”，其实是指那些加上以后反而会使整个曲子变差的细节。比如一般的流行曲，是不会用到violin1、violin2、viola、cello、doublebass这种完整的弦乐编制的。通常一把小提琴、一把中提琴、一把大提琴就够了。而且如果其他乐器鼓啊吉他啊已经很多了，弦乐就只用做一做第一小提琴和大提琴的对位就好了，中间的声部演奏大长音就行。如果像古典乐一样，每个声部都写的很复杂，很精致，听起来效果反而不好，和其他乐器糊成一片，旋律也不突出。又或者你做一首抒情流行歌，但是鼓的ghostbeat做的满满的，这种时候听上去虽然细节是多了，不过曲子可听度也下降了。
. J" S* W8 N2 h! y
' `! X3 S' Y% t+ r" _ 6.不要作践自己
1 t4 L+ h8 }* a3 h4 c. g1 i, U5 l# s) l9 x$ o3 `6 d
其实这个应该是最大的禁忌了。有时候不要因为一点点钱就放弃自己的作为音乐人的尊严。现在网上到处都是低价编曲，甚至300、500的编曲都有，而这些低价编曲，编出来的那些东西又都粗制滥造不堪入耳，真不知是因为水平不够才接了低价单呢，还是因为接了低价单不想好好做才这么烂。, o( P' I6 G# X. M6 L$ T% N9 O
5 i3 d" Z P4 s+ s! @+ `8 F 人该有一个对自己的水平的准确定位，有时候真想问一问那些接100块编曲的人，难道你们的音乐就只值这么多么？ |
|
