吉他教学

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吉他分类
根据不同的结构和发声原理（演奏风格）可以大致分为木吉他（如古典吉他，钢弦吉他）和电吉他（如标准电吉他和低音电吉他）弗拉门哥吉他、爵士吉他、夏威夷吉他等。除低音电吉他外，其他几种吉他使用相同的定弦方法，即从粗到细依次将各弦定为E，A，D，G，B，E。特殊情况也可以将某一弦或者全部的弦降低定音或者升高定音。如比较普遍使用的将低音E弦降低为D。各种吉他一般在琴颈上安装有18至24个不等的音品，单弦的音域在两个八度左右。
古典吉他(Classical Guitar)
　　是吉他演奏中艺术性最强的一种。通常以独奏或二重奏的形式出现，一般以演奏传统的古典音乐为主。广泛流行於世界各地。古典吉他造型优美、典雅，指板扁平且略宽，音箱较厚。装有三根尼龙琴弦和三根金属缠弦（尼龙弦外缠一层细金属丝），琴弦横拉于共鸣箱上，用手指拨动琴弦发音。一共有19个音品，指板与音箱衔接处为12音品。音孔呈圆形，下方无挡板。面板和底板都成水平面。
民谣吉他(Folk Guitar)
　最早是美国西部乡村音乐的伴奏乐器。通常作为歌曲的伴奏形式出现，以美国西部乡村音乐为主要演奏题材。民谣吉他比古典吉他略长，音箱较大，稜角呈方形。指板稍细，表面呈弧形。音孔比较大，下侧有挡板。指板与音箱连接处是14音品（琴格）。通常装有六根金属弦。
　　民谣缺角吉他是其中一种现代改良形式。近年来出现的电箱两用民谣吉他给舞台表演者带来了莫大的方便。
佛拉门哥吉他(Flamenco Guitar)
　　西班牙民族乐器。外形与古典吉他基本相同，面板上由有护板，使用尼龙弦，但音色较古典吉他硬脆。用于演奏西班牙民间音乐，节奏复杂，技巧丰富，后流传世界各地，成为一种风格鲜明的具有西班牙民族
风格的世界性乐器。
夏威夷吉他（Hawian Guitar)
　　传统的夏威夷吉他外形类似于古典吉他，使用钢丝弦。演奏时平放在腿上，一手持金属滑棒按弦，另一只手带金属指套拨弦，音色华丽，是一种擅长表现旋律的乐器。
爵士吉他
同电吉他与民谣吉他，爵士琴一般都是使用带共鸣箱的电吉他，这样的电琴在音色调整上，音色效果靠后，成为厚重柔软的音色。
电吉他
　　按照演奏类型分为无共鸣箱实体琴体与有共鸣箱音孔琴体琴颈类似于民谣吉他，使用钢丝弦，使用磁性拾音器，根据弦振动到电声转换的原理，然后用扬声器放大声波信号发声，通过效果器可发出各种各样丰富多彩的音色，是现代流行音乐及摇滚乐必不可少的乐器。周边设备庞大，如效果器、放大器等。经过给类周边设备可以使吉他出现各种不同种类的音色，可塑性强，表现力随个人爱好而定。演奏可使用拨片、滑棒等工具创造更多效果。

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民谣吉他构成
民谣吉他属于和声乐器

音乐基础乐理
1音高  1 2 3 4 5 6 7 唱名do re mi fa so la si 音名C D E F G A B
2音阶  1 2 3 4 5 6 7 1 音程 两音之间的距离叫音程 1   3   2  4
3调式（常用调式）  一般歌曲结尾在1上为大调歌曲，在6上为小调歌曲
（1） 大调式1 2 3 4 5 6 7 1 全全半全全全半（2）小调式6 7 1 2 3 4 5 6全半全全半全全 （3）其他调式
4节奏节拍 X  X X
1 2  3 4  5 6 6 5    1 1 2
2 3  3 2  1 2
*特殊节奏
1切分节奏 X X X节拍强弱发生变化
2三连音等
5速率
P  PP  PPP
7和声
两个以上不同的音按一定的法则同时发声而构成的音响组合
包含：①和弦，是和声的基本素材,由3个或3个以上不同的音,根据三度叠置或其他方法同时结合构成，这是和声的纵向结构。②和声进行，指各和弦的先后连接，这是和声的横向运动。
在调性音乐中，和声同时具有功能性与色彩性的意义。
1和声的功能，是指各和弦在调性内所具有的稳定或不稳定的作用、它们的运动与倾向特性、彼此之间的逻辑联系等。和声的功能与调性密切相关，离开了调性或取消了调性，和声也就失去了它的功能意义。
2和声的色彩，是指各种和弦结构、和声位置、织体写法与和声进行等所具有的音响效果。和声的色彩是和声表现作用的主要因素，无论在调性音乐或非调性音乐中，它都具有重要意义。

7如何识简谱
例子 1=C 4/4      1=D 4/4
1=E 2/4      1=F 3/4
8如何识五线谱


民谣吉他基础乐理
1 吉他谱（六线谱）的识别
民谣吉他共6根弦故名六弦琴

*2 民谣吉他和声 (常用和弦)
(1)  三和弦组成
C和弦  1 2 3    D和弦 2 4 6
(2)  七和弦组成
C7和弦 1 3 5 7  D7和弦 2 4 6 1
(3) 九和弦 挂留和弦 六和弦 转位和弦等 （见音乐创作和声论——）
吉他调弦概述（常用2种）
1）基本调弦方法
先将1弦调为标准音高 E (或根据实际情况定基准音)
2弦五品音高=1弦空弦音高
3弦四品音高=2弦空弦音高
4弦五品音高=3弦空弦音高
5弦五品音高=4弦空弦音高
2）均衡性调弦方法和检查方法概述
A基本调试部分1，使用调音器调准第1弦的A音（这是按弦的实音）。2，然后以1弦的A音，调4弦的A音。3，以1弦的A音，调6弦的A音。4，以1弦的空弦E音，调2弦的E音。5，以1弦的空弦E音，调5弦的E音。6，以1弦的空弦E音，调3弦的E音。
B检查部分
第1种方式（低把位上）1，以1弦的空弦E音对4弦的E音，检查 4弦。2，以4弦的空弦D音对2弦的D音，检查2弦。3，以2弦的空弦B音对5弦的B音，检查5弦。4，以5弦的空弦A音对3弦的A音，检查3弦。5，以3弦的空弦G音对6弦的G音，检查6弦。检查部分
第2种方式（低把位上）1，以1弦的E音对6弦的空弦E音，检查6弦。2，以6弦的G音对3弦的空弦G音，检查3弦。3，以3弦的A音对5弦的空弦A音，检查5弦。4，以5弦的B音对2弦的空弦B音，检查2弦。5，以2弦的D音对4弦的空弦D音，检查4弦。
C检查部分---互补照应（高把位上）1，以1弦的空弦E音对3弦的E音。2，以2弦的空弦B音对4弦的B音。3，以3弦的空弦G音对5弦的G音。4，以4弦的空弦D音对6弦的D音。5，以1弦的空弦E音对2弦的E音。D超高把位复查1，以1弦的空弦E音对4弦的E音。2，以2弦的空弦B音对5弦的B音。3，以3弦的空弦G音对6弦的G音。G特别单独调试部分---既吉他先天不足的互补照应以2弦第10品位的A音，对4弦第7品位的A音。
民谣吉他基础入门
1持琴姿势 （站立 坐姿）
2手指姿势 （垂直）
3右手拨弦的方法有两种，Apoyando(靠弦奏法）、Al aire(不靠弦奏法）     *手指用力位置 （关节）
   
（右手各指在谱中的表示）（不靠弦方法 （靠弦方法）
靠弦奏法拨弦后停靠在下根弦，通常用于旋律音和低声部的音。  
不靠弦奏法拨弦后不停靠在下根弦，通常用于分解和弦和快速乐句。
*4吉他音高排布*********

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5右手练习
5 3 2 1   3 6 2 1   5 3 2 1 2 3   6 3 2 1 2 3
5 3 2 3 1 3 2 3   6 3 2 3 1 3 2 3
*6常用和弦在吉他板面的分布*********
C和弦 D和弦 E和弦  F和弦 G和弦 A和弦 bB和弦
Dm和弦 Em和弦 Am和弦 C7和弦等






*7民谣吉他常用分解节奏******





例曲1 (单音练习)



例曲2 （最后的和弦）(单音练习)



分解歌曲选段弹唱
你知道我在等你吗 (分解节奏练习)
C---Am---F----G----C



分解弹奏注意要点
1 速度（保持一直，连贯）
2 节奏（节拍）--(强弱有规律，节奏层次分明,具有清晰透明度)
3 人性弹奏（有感情的用吉他表达音乐主题）





民谣吉他基础技巧练习

一 手指运动技巧篇         
1 爬格子法（侧重于训练手指的灵活度）
  左手手指练习指法组合
1234 1243 1324 1342 1423 1432
2134 2143 2314 2341 2413 2431
4123 4132 4213 4231 4312 4321
3124 3142 3214 3241 3412 3421
2 分手指法(侧重于手指之间间隙宽度的训练)
3 敲键盘法（侧重于训练手指的灵活度）

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二 基础吉他技巧篇

1.压弦法
         压弦法又称平行奏法，这是古典吉他低音弦上使用得最多的基本技巧。其方法为：右手指垂直触弦，有力地往下压拔，弹响后手指顺势停在下一根弦上。压弦法演奏的音坚实有力，穿透力强。
         压弦法较多用于旋律部分及和弦根音的演奏，它常与勾弦法对照使用，使乐曲富于层次感。
2.勾弦法
         右手指甲触弦后，运用指关节的力量勾向掌心。根据右手指甲勾弦位置的不同，可分为斜勾法、平勾法、塞戈维亚勾弦法。
(1)平勾法：右手指甲垂直触弦，平勾勾向掌心，使弦振动发声。这是使用最广泛的勾弦法。演奏时注意力度标记符号，如果没有力度标记，则用适中力度即可。
(2)斜勾法：用右手指甲*近拇指方向的部分触弦，斜勾勾向掌心。
(3)塞戈维亚勾弦法：在一根弦上同时应用指头和指甲，指头碰及琴弦，再用指甲勾弦。
3.琶音
         琶音奏法是吉他演奏中一种既简单又华丽且使用较多的技巧。琶音奏法分为三种：单指顺琶音、单指逆琶音、多指琶音。
(1)单指顺琶音：用右手拇指或食指指甲从低音弦依次拔向高音弦，力度适中，速度介于扫弦与分解和弦这间，要求能清楚地听出各音，声音如流水般华丽。
  
(2)单指逆琶音：用右手拇指指甲从高音弦拔向低音弦。
  
(3)多指琶音：第六、五、四均由右手拇指演奏，第三、二、一弦分别由右手食指、中指、无名指各管一根弦，然后从拇指开始一个接一个地演奏，各个音应均匀、连贯。
3 大横按的难点突破
F和弦  bB和弦  Fm和弦等
三 注意事项
1对于初学着一般每次练琴时间大约在一个小时左右就可以了，因为刚开始接触的东西还比较少，但最好每天坚持练习，这也是我开始练习时候的宗旨。  
2、对于由初级向中、高级转化的阶段，由于要练习的技巧较多，每次练习必须保证连续两小时以上，越长越好，当然中途可以稍微休息一会；但最好还是坚持 3、在达到相当的水平后，对时间的要求就没有太严格的要求了。一般每周有两到三次练琴时间，每次半小时以上就可以了。
弹唱曲目
民谣吉他扫弦篇
通常有手指扫弦与拨片扫弦等
1手指扫弦
（1）指甲的条件
（2）大拇指与食指的位置
2 拨片扫弦

（1）拨片的选择
（2）拨片的使用方法
   民谣吉他以其独特的魅力，在很多音乐风格中都有所表现，像流行、乡村、蓝调、还有摇滚乐里面都有广泛的应用。民谣琴的琴弦是钢弦
，这使它在音色方面具有华丽、明亮、穿透力强的特点，由于它的弦比较硬，弹出来的音色也是很有张力有力度感的。而用拨片弹琴则更能充分发挥民谣吉他的这种特性。如何正确的使用拨片，是决定你能否获得好的音色的关键。
   拨片的形状各异、厚度也不同 ，在弹民谣吉他时建议使用厚度在0.7毫米左右就可以，厚的拨片弹琴时听起来没有高音、而且低音太多，在扫弦时感觉混乱，声部不清晰；而过薄的拨片却是相反，高音太多、没有低音，整个听起来很飘、
   握拨片时用大拇指和食指就可以，拇指要覆盖拨片的一半并与拨片的中轴线垂直，食指则与中轴线平行，且指尖大约在拨片中心的位置，握拨片的力度以拨片不掉为准，遇强则强，遇弱则弱，决不可死死的握着拨片，那样弹出来的声音会很僵硬，力度也不会有太大的变化，毫无美感可言, 在弹奏时，拨片应尽量保持一个很好的状态，就是说拨片要尽量垂直与面板，且与琴弦垂直，尽量不要与琴弦成角度，因为拨片与面板垂直弹，遇到的阻力会增加，我们弹时就会加大力度，这样才会把琴本身所具有的潜质放出来。
2 扫弦注意事项
（1）角度
（2）力度 强拍 、弱拍
（3）速度
（4）手腕放松*（手腕都不要僵硬，要灵活，弹奏时是用小臂带动手腕的，在扫弦时要能感觉到你的拨片是粘在弦上的）
（5）人性弹奏
3  常用3/4拍扫弦节奏


4  常用扫弦基本技巧
.扫弦
         扫弦技巧是吉他技巧中最有表现力的重要技巧这一，扫弦是较难掌握的技巧，但基本奏法却只有两种：顺扫和逆扫。
  
(1)顺扫：食指指甲从低音弦扫向高音弦，或将拇指除外的四个指头并拢，用指甲同时从低音扫向高音弦，速度较快，声音要有一定的力度感。
  
(2)拇指指甲从高音弦扫向低音弦。
5.右手切音
  
         右手切音又称右手消音。右手指扫弦之后顺势用*近拇指方向的手掌外侧碰弦或停在弦上，使声音急速消失，这样能增强音乐的节奏和动感。
6.大鼓
         大鼓奏法是古典吉他中一个非常有特色的技巧。其演奏要领：右手作半回转动作，用大拇指的外侧平敲离琴码2-3CM的琴弦，使琴振动发声，敲击后大拇指迅速离开，以免妨碍琴弦的振动。
吉他弹唱常用和声走向
1 C-F-G-C    1--6--4--5--（C--Am--F--G--)如《你知道我在等你吗》--
1--6--2--5--（C--Am--Dm--G--)如《小薇》（黄品源）
1--5--6--4--1--5--1（C--G--Am--F--C--G--C--)《真的爱你》
1--5--6--3--4--5--1--5--（C--G--Am--Em--F--G--C--G--)《光辉岁月》
4--5--6--5--（F--G--Am--G--)《天涯》爱乐团
1--3--4--5--（C--Em--F--G--)《开始懂了》
6--1---5---6--（Am--C--G--Am--)《飞行》许飞（很常见的和声）

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吉他常用弦律音阶指型 Me Sol La Sl Re



吉他中高级技术性概述
1.弹指
    弹指又称弗拉门歌扫弦法，这是一种难度较大的右手技巧。右手作松散的握拳状，用右手指甲的表面按小指、无名指、中指、食指的次序依次弹弦。每个指头开放的时间要均等，速度很快。弹指奏法常用于表现紧张、热闹的气氛。
2拔奏
     右手掌伸直，用其右内侧（小指方向）轻轻压在琴码正上方的琴弦上，用指头（或拔片）弹弦，其声音沉闷、余音短促。注意右手掌侧所压弦的部位，太*右边则无效果，太*左边则无声音。
3.摘音
    摘音又称响指。演奏要领：右手食指压住弦，再把右手无名指或中指指甲放入弦内侧，然后让指甲用力地弹出来，即可发出一种类似响指的沉闷声音，音色很独特。
4.小地雷
    小地雷又称拍弦，其要领是用右手肘关节有力地击在几根弦上，发出一个类似碰撞的声音，其效果与大鼓奏法的效果相近，但更粗犷一些。
5.轮指
     轮指又称震音。这是古典吉他最重要同时也是最难的一种技巧。轮指是同音的急速反复，右手无名指、中指、食指轮流拔动同一个音，使细碎的同音持续反复，构成流水般的旋律，音色十分迷人。
6.倚音
     装饰在旋律本音上方的小音符称为倚音。倚音占本音的时值，吉他的倚音分为同弦上的倚音和不同弦上的倚音两种。

(1)同弦上的倚音分为上行倚音和下行倚音两种。A上行倚音奏法：右手指出较低的音符，然后用左手指猛力打在较高音符所在的音品上，*弦的余振和左手指的敲击发声，右手不再弹第二个音。这种声音华丽而动听。B下行倚音奏法：左手指同时按住高低两回事个音符，先用右用拔弹出较高的音符，然后用按在这个较高音符上的左手指斜勾出较低的音符，*弦的余振和左手指勾弦的力度使弦较低音发声，勾弦演奏中，左手小指使用较多。
(2)不同弦上的倚音、小音符和本音要分别演奏。
7.推拉弦法
     演奏要领：左手指按住弦，右手指弹响后，左手沿着与弦垂直的方向用力往上推，或往下拉，使发音产生较大变化。在具体演奏中，往上推和往下拉往往反复使用。
8.小鼓
    左手用中指在第七品至第九品之间勾起第六弦，交*压在第五弦上，再住两根弦的交*处，右手用两指弹弦，便能得到小鼓声。也可以将第三、四弦或第一、二弦在第七至九品之间绞在一起来演奏小鼓声。
9.颤音
    音符时值内，用主音和一个比主音高大二度或小二度的音，以很快的速度反复交替产生颤音效果。演奏要领：左手一个指头按住主音，用右手拔响主音后，再用左手另一个指头迅速反复击弦使音符按要求弹出。
10.左手切音
    左手按住需弹的音符，右手弹响后，左手按弦的手指立即放松，使琴弦离开琴品，但左手按弦手指要浮按在琴弦上，以达到消声的目的。
11.左手独奏
    直接用左手在琴头处弹奏，可得到类似单簧管效果。
12.泛音奏法
    泛音是古典吉他常用的重要技巧，其音色透明清澈，具有很强的穿透力。泛音可分为人工泛音和自然泛音种。
A人工泛音：右手食指虚按在离左手指实按处后十二品正上方的弦上，用右手小指或无名指勾弦。（当小指或无名指勾弦时，右手食指必须同时离开琴弦，否则没有泛音效果）。
B自然泛音：左手指轻轻虚按在各等分点所在的琴弦上，右手指用适中的力度勾弦，在勾弦的同时，左手虚按手指迅速离开琴弦，便能奏出清晰的音。自然泛音的位置分别在吉他 的3、5、7、12品。
13.敲板奏法
  
    演奏要领：用右手无名指的指甲，或用中指和无名指的指腹，轻轻敲击琴弦下侧的面板。敲击时，需转动手腕，动作要有弹性。另一种方法是用拇指关节突出处，敲击琴弦上侧的面板。敲诈击时，拇指必须翘起，但不要过分用力。
14.钟音
钟音在吉他演奏法里是一种模仿钟的奏法，由高音弦的空弦音和低音弦的高音交织成一组分解和弦
弹唱曲目
童年
双吉他弹唱组合方式
1 两把民谣吉他 一把主音华彩加花 一把和弦节奏伴奏主要强调音乐的统一性
2 一把用民谣吉他节奏伴奏 另一把用古典吉他或其他吉他加花 主要突出音色的对比
3 民谣吉他用于节奏伴奏 主弦律或加花用其他旋律乐器 譬如钢琴 电声乐器等
民谣吉他低把位与高把位的互换
主要是大横按与非大横按之间的互换（音色发生变化）
音乐作品简易和弦配置方法概述
1 确定调式
2 先给歌曲的首尾配上主和弦 为大调歌曲的配主大和弦 为小调的配主小和弦
3 再确定歌曲中其他小节段落的和弦配置
（1）看小节的音 偏重于哪个和弦音多的小节通常就配该和弦
（2）看小节的强拍音 如果按照（1）难确定就以小节强拍音所在的调式和弦做为该小节的和声
(3) 按照歌曲的终止式 将歌曲划分为完全终止式与不完全中止式
通常歌曲结尾的主和弦前可以配置属和弦 属和弦前可以配置下属和弦从而构成完全终止式和声配置
(4) 某些情况以某音为主音的三和弦可以代替该主音所组成的七和弦或九和弦
以来更加出众的表现音乐所要表达的主题

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和声理论学
第一章 和弦新论
    传统和声学把所有的和弦都归为三度关系来解释，并且力求和声进行的完美和规范。但是现代流行音乐特别是爵士音乐的和声已经高度复杂化和自由化，三度叠置虽然仍是和弦构成的基本原则，但已不是重要的解释手段。和声的进行是否规范属于次要问题，平行五，八度的错误基本上不予考虑。唯一的准则是：听起来是否舒服，到位。
和声标记
1  大三和弦 =大三度+小三度
2  小三和弦 =小三度+大三度
3  增三和弦 =大三度+大三度
用根音的大写英文字母音名加上aug或加一个“+”。如DO，MI，升SOL和弦表示为Caug或C+，FA，LA，升DO和弦表示为Faug或F+。
4  减三和弦=小三度+大三度
用根音的大写英文字母音名加上dim或一个“-”。如RE，FA，降LA，表示为Ddim或D-，升DO，MI，SOL表示为#Cdim或#C-。
5  大小七和弦=大三和弦+小三度
用根音的大写英文字母音名加上“7”即可，如SOL，SI，RE，FA和弦用G7表示，LA，S升DOL，MI，SOL用A7表示。
6。大大七和弦=大三和弦+大三度，用根音的大写英文字母音名加上Maj7表示，如DO，MI，SOL，SI和弦表示为Cmaj7,降SI，RE，FA，LA和弦表示为Bbmaj7.
7。小小七和弦=小三和弦+小三度，用根音的大写英文字母音名加上“m7”表示。如LA，DO，MI，SOL和弦表示为Am7,RE，FA，LA，DO和弦表示为Dm7.
8。小大七和弦=小三和弦+大三度，用根音的大写英文字母音名加上mM7表示，如DO，降MI，SOL，SI和弦表示为CmM7,LA，DO，MI，升SOL表示为AmM7.
9。减七和弦=减三和弦+小三度，用根音的大写英文字母音名加上dim7表示，如SI，RE，FA，降LA和弦表示为Bdim7,LA，DO，降MI，降SOL表示为Adim7.
10。半减七和弦=减三和弦+大三度，用根音的大写英文字母音名加上m7-5表示，如SI，RE，FA，LA和弦
表示为Bm7-5,升FA，LA，DO，ME和弦表示为#Fm7-5.
11。加音和弦：它是指在一个以三度关系为基础的和弦上加上其它音，如加入六度音，九度音，四度音等，标记法为将这个加音的度数写于原和弦的右边，如DO，MI，SOL，LA和弦可标为C6，（LA是基于C和弦的加音），FA，LA，DO，SOL和弦可标为F9。但要注意的是，加四音和弦的写法有规定，要写sus4，并且要省去原和弦的三音，否则三音和四度音一起响会很尖锐。如DO，FA，SOL和弦标记为Csus4.（C和弦省三音加四度音）。加音以6，9，4度为多数。另外，有更复杂的理论把加音与多音和弦分开来，如FA，LA，DO，SOL和弦应标为Fadd9,而标为F9会被认为是FA，LA，DO，MI，SOL和弦。不过这只是理论而已，一般情况下用简单的加音标记法就可以让别人明白你的意思。
12。指定和弦根音：就是在演奏该和弦是，不弹它本身的根音而根据标记弹奏。如C/G，表示演奏该和弦时把G音置于最低音。Dm/F表示演奏Dm时把F音置于最低音。也可以用On*表示同样意思，如F9OnD,实际演奏的是RE，FA，LA，DO，SOL。很明显，这种标记法可以用来表示和弦的转位。
第三章 各级和弦的功能
  流行音乐中一般只讲大调的和弦而很少把小调单独作为一种调式重新定义和弦，因为流行音乐中关系大小调和弦共用的现象十分普遍，如果用经典和声学解释会颠来倒去搞不清。
下面我们用C大调来举例。基本和弦共7个:C,Dm,Em,F,G,Am,Bdim.分别是1，2，3，4，5，6，7级和弦。1，4，5称正三和弦，2，3，6称副三和弦。7级和弦在流行音乐中极为少用。1级和弦也称主和弦，4级和弦也下属和弦，5级和弦也称属和弦。
1 C，即1级和弦，是用来明确调性的。一般大调的歌曲都以它开始，也以它结束。不过在曲子的中间可以尽量少用主和弦，否则老是给人以终止感，乐曲的进行也会很硬。
2 Dm,即2级和弦，是一个很柔和的和弦，它的最重要用途就是放在属和弦即5级和弦之前。而5级和弦则自然要回到1级和弦，所以很容易就形成了2-5-1的进行。这是一个极其常用的进行。
3 Em,即3级和弦，也是一个十分柔和的和弦。音乐的进行中有了她马上就会变得柔美而略带忧伤。1-3-4的进行，也即在C大调中的C-Em-F是一个很常用的进行。乐曲中本来用1级和弦的地方有时可以考虑换成3级和弦，音乐立即就不强硬了。港台音乐中这种手法很常用。
4 F,即4级和弦，大调中的又一正三和弦，属于骨干和弦之一。它十分明亮，让人感觉心胸开阔，有一种一下子“飞”起来的感觉。我们听到的美国乡村乐和描写西部大草原和大峡谷的歌曲都使用4级和弦来表现。1级和弦后面跟4级与跟3级和弦是绝对不同的。
5 G,即5级和弦，大调中的第三个正三和弦，任何一首歌曲都不可缺少。它起着对主和弦支撑的作用。乐曲的终止感就是由5-1这样的进行产生的。当然现代流行音乐特别是欧美音乐中不使用5-1终止的歌曲也很多，这正是流行音乐的特色，但5级和弦作为音乐的骨架和弦仍然不可动摇。Am,即6级和弦，一个中性的和弦，如果把它作为主和弦那就是小调了。歌曲肯定会变得忧郁，悲伤。如果6级和弦出现在大调中的某些部分，那它起到的就是连接不同和弦的作用。6级和弦象一座桥，它前面可以接几乎所有的和弦，后面也是如此。它可以是和弦的进行连贯，不呆板。1-6-4-5是极为常用的进行，事实上就用这四个和弦就可以写歌了Bdim,即7级和弦，在流行音乐中很少用。因为它是减三和弦，有一种向里收缩的紧张感，一般只在某些特定进行中使用，或是为了根音的流动而使用。

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编曲科考
1，能在一遍内听出歌曲的基本调内和弦（即1，2，3，4，5，6，7级和弦）
2，对歌曲常用的离调和弦比较敏感，一般也应当在1到2遍内分辨出其离调和弦。
3，看乐谱上的和弦可以想象出其音响效果，如果别人演奏错误，能马上察觉。
4，看一条单旋律，不用任何乐器，在心里能为它配和弦。
1，主四六和弦（K46和弦）
    这是一个在古典音乐中很常用的和弦，但它在流行音乐中仍然有很重要的作用。它的形式是主和弦的第二转位，以C大调举例就是C/G和弦，即5-1-3和弦。这种和弦的特点是，虽然算是主和弦，但因为它以SOL为根音，所以一点也不稳定，有着极强的向属和弦去的倾向。主四六和弦具有不稳定性。因此在编曲时可以充分利用这一点，如果有一首歌曲的结尾是C-G7-C我们就可以改为C/G-G7-C。由于C/G（主四六和弦）倾向与属和弦G7，而属和弦G7又倾向于主和弦，这样从C/G开始一系列的和弦都顺着它的倾向性行进，音乐就变得流畅了。在古典音乐中，C/G-G7-C的进行是最经典的终止式。
2，二级六和弦
　二级六和弦是二级和弦的第一转位，在C大调中是Dm/F。它的构成音是FA，LA，RE。
大家会发现它与F和弦（四级和弦）只差一个音，前者是FA，LA，RE，后者是FA，LA，D
O。所以，二级六和弦实际上可以看成是四级和弦的一个替代品，也就是说某些地方本来用
的是四级和弦，现在就可以用二级六和弦代替，C大调中就是用Dm/F代替F和弦。二级六和弦保持了二级和弦柔和的特性，不象四级和弦那么硬，也没有强烈的“飞”起来的感觉，所以如果你想要使1-4级的进行不要那么强硬，但又要保证有1-4级进行的和声效果，你就可以用二级六和弦代替四级和弦。如果大家听过电影《红河谷》的主题曲，它的第二个和弦就是二级六和弦，而这个地方的和弦功能和听上去的感觉实际上是四级的，这就对了！这就是二级六和弦要达到的效果。
3，大二级和弦
这实际上是一个离调和弦，大二级和弦就是升高 ，三音的二级和弦，在C大调里是2，#4，6和弦。它的特点就是强烈倾向于属和弦（五级和弦），也就是在C大调里构成D-G的进行。在前面介绍二级和弦时我曾提到二级和弦最重要的用途是置于5级和弦前面，所以我们可以这样认为大二级和弦是增强了小二级和弦向属和弦的倾向性。在C大调中就是用D-G7代替Dm-G7。在歌曲的适当位置使用这种代替手段效果是十分好的。但是要注意，歌曲的旋律音如果是FA（首调）则不能这样代替，因为这会构成与和弦#4的小二度冲突，十分尖锐刺耳。邓丽君的许多歌曲及那个年代的许多歌曲（如《今宵多珍重》）都会在属和弦前使用大二级和弦。另外，和所有的离调和弦一样，大二级和弦也可以扩展成七和弦，C大调里是D7和弦，2，#4，6，1。它的和弦性质和D和弦是一样的，只不过音响更丰富些
4大三级和弦
这也是一个离调和弦。在C大调里是E和弦，3-#5-7。是由三级和弦Em升高三音形成。它倾向于六级和弦Am.也就是在C大调里构成E-Am的进行。它实际上也是Em到Am进行的强化。和前面一样，我们可以用E-Am代替Em到Am，但仍要注意，如果旋律音是SOL，就不能这样代替，因为SOL会与和弦里的#5冲突。有一首老歌叫《我家在那里》就使用了大三级和弦。有首圣诞歌曲就连续使用了大二级和弦和大三级和弦。另外，和所有的离调和弦一样，大三级和弦也可以扩展成七和弦，C大调里是E7和弦，3-#5-7-2。它的和弦性质和E和弦是一样的。
5，大六级和弦
　　这也是一个离调和弦。而且这是一个很常用的和弦，它的“离调感”十分远，所以能制造出很动听的效果。在C大调中是A或A7和弦（和其他离调和弦一样，它可以扩展成七和弦）它强烈倾向于二级Dm和弦，这样就在C大调中形成A（A7）-Dm的进行。这可是一个非常漂亮的进行，它不仅可以代替Am到Dm的进行，还可以代替其他和弦到Dm的进行。只要
你的旋律中带有6，#1，3，5中的任何一个或多个音，你就可以使用这个进行。它是用来强调和声在音乐中作用的最好例子。看一下：3 - 4 | 2 - - | 这个例子，如果你想在第二小节配置Dm和弦，那么前一小节用什么好呢？Am可以，Em也可以，但它们都不是最好的，试过用A(A7)吗？那将会是一种新鲜的感觉。这种和弦手法在流行音乐中被广泛应用，邓丽君的歌曲《爱的箴言》就使用了该和弦，著名的圣诞歌曲全曲多次使用该和弦。这个和弦十分有色彩，恰当的使用肯定可以使你配置的歌曲和弦及伴奏比原来丰富得多。当然仍旧要注意，不要在旋律音为DO时使用该和弦，因为它会与和弦的#1音冲突。
6一级七和弦
这也是一个离调和弦。一级七和弦在C大调里就是C7和弦，1-3-5-b7,看清楚了，这是一个大小七和弦，是降SI而不是还原SI，在其他调里可不要搞错了。它的用处就是置于四级和弦前面，一级七和弦有强烈的倾向于四级和弦的特性，又由于它本身属于主和弦系列，所以如果我们使用了一级到四级的和弦进行，就可以在这两个和弦当中插入一个一级七和弦，形成C-C7-F的自然进行。有一首英文老歌就使用了该和弦。
7 小四级和弦
　　大调中，四级和弦应当是大三和弦，但有时侯我们也会使用它的降三音形式，就形成
了小四级。它的最有效作用是置于四级和主和弦之间，也就是在C大调形成F-Fm-C的进行，
小四级当然是一个小三和弦，它的加入会使音乐突然变得忧伤，所以它不但可以置于四级
和主和弦之间，而且可以直接加在乐曲中的某个部分。著名的（雪绒花）在最后结尾时，
就使用了小四级和弦。很多港台流行歌曲也使用小四级来表现忧伤与失落。
8五级增三和弦
　　这个和弦不算很常用。它升高原来五级和弦的五音，变成增三和弦。在C大调中是Gau
g(G+)，这个和弦的用处是当一个乐句结束在属和弦上时，可以用五级增三和弦来代替五级
和弦，增加意尤未尽的气氛，然后音乐稍作停留便又从主和弦开始，这种手段在爵士音乐中有着较多的应用。
9降六级和弦
　　是一个常用的变化和弦，是大三和弦，在C大调中是bA和弦,b6-1-b3，降LA-DO-降MI。这个和弦看上去离C大调很远，确实如此，因为它只有一个音DO属于C大调自然音阶，嘻嘻，就是这个DO成为降六级最大的应用之处。因为绝大多数大调的歌曲都会结束在主音DO上（首调），我们可以利用降六级含有DO音，把降六级置于主和弦的前面，达到一种特殊的音响。在C大调中，如果本来是G7-C的终止，现在可以用G7-bA-C来替代，这样就能得到这样一种效果：旋律虽然保持是DO，但和弦是降六级-主和弦，非常有色彩。它可以烘托出那种宏伟，壮观的终止，不是属到主简单了事。
10降七级和弦
相比降六级而言，降七级离原调好象近一点。在C大调中，降七级是bB和弦,b7-2-4,降
SI-RE-FA，也是大三和弦。它含有RE，FA两个调内音，它可以被较自由地运用在歌曲中间
部分，如果旋律中出现了这两个音就有可能使用降七级。在歌曲中如果在本来使用一般和弦的地方改用降七级，会有一种突然转调的感觉，降七级后面可以接1，4，5级和弦，C大
调中，C-bB-C,C-bB-F等都是常见的。邓丽君的《千言万语》，The Beatles乐队的,, 都使用了降七级和弦，取得了很好的效果。降七级还有一个用处就是对降六级作进一步扩展，把bA-C扩展为bA-bB-C,也就是在降六级与主和弦之间再插入一个降七级，得到一个连续上行大三和弦的效果，更适合于那些气魄很大，雄壮而有震撼力的终止。
11降三级和弦
　　这也是一个用得不算太多的变化和弦，在C大调里是bE和弦，b3-5-b7,降MI-SOL-降S
I，也是大三和弦。它离C大调也比较远，只有SOL是调内音，因此只有旋律出现SOL时，它才有考虑的可能。它适合在乐曲中起丰富色彩的作用，使用一下以后马上又回原调。这种
和弦就一定要用得好，用得到位而不能滥用。有一首著名的英文老歌（《奔放的旋律》--
“人鬼情未了”的插曲）后半段就用了一个降三级。
12 降二级和弦
　降二级和弦在流行音乐中用得比较少,在爵士乐中倒有一定的使用.经典和声学里给予这
个和弦以一个名字,叫"那波里和弦".当然对于我们的应用者来说不一定要了解这么多.这个
和弦在C大调里是bD和弦,b2-4-b6,离C大调相当远,在钢琴上听是完全没有关系的,但这样就注定了它是一个极有色彩性的和弦,一般可以用在曲子的结尾,在主和弦的前面,感觉是十分奇特的.不过我没有找到合适的例子来说明,以后再补上吧.

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和弦使用手段
1 保留根音
　　这种手法在很多流行音乐中有应用.它的意思是在一段和弦连接里,根音不按照正常和弦根音走动而是一直持续在一个音上保持不动,最常见的是保留主音.具体点就是类似这样的连接:C---F/C---G/C---C,和弦原来的意思是1级到4级到5级,但根音却一直保持在C上,这种手法也削弱了原来和弦间强烈的对比,使它们能"粘合在一起",所以能给人以稳定,温馨的感觉,用在前奏,歌曲的A段比较合适.Bryan Adams的成名曲一开始就用了这个手法,你可以仔细去听一下.在经典和声学中称这种手法为"主持续音".和声就是这样奇怪,也许你会说G/C的和弦,用C作G和弦的根音,难道就不会发生小二度冲突?所以说理论既是我们前进的领航员也是最大的束缚,当我们把一串和弦连起来后,你就会发现根本体会不到小二度的冲突,试一下吧!
2延留音,先现音
　　我一直感觉到,和声的最大魅力在于"期待感",也就是当一个和弦出现时,我们就等着它应该走向的那个和弦的出现,做到与我的"心理听觉"相一致.延留音和先现音可以满足我的这种"僻好".我们先说延留音,它的意思就是把甲和弦中的某个音延续到接下来的乙和弦中,并且这个音不是乙和弦中的音.例如这样的进行:F---Gsus4---G7---C,其中Gsus4和弦的构成是5,1,2三个音,而DO音是从F和弦延续下来的,它并不属于G和弦,由于它加入了G和弦中,使G和弦原来的属功能被削弱,DO音代替了原来SI应有的位置,但抢了别人的位置是一定要还给人家的,所以"期待感"在这里产生,听觉上我们等待着DO进行到SI去,于是后面一个G7的出现满足了我们的听觉需求,并且最终解决到主和弦上,得到完满的终止.这是最常见的延留音形式.我们可以自己创造出更多的可能,把某个和弦的某个音延续到后一和弦上,造成一种"迟到的解决",很诱人的.再来看一下先现音,它和延留音正好相反,就是在甲和弦中先出现了后一个乙和弦的某个音,而这个音并不属于甲和弦.当音乐进行到乙和弦的位置时,这个先现音成为了和弦音,音乐得到了解决.比较有效果的办法是先现根音.如这样: F/G---G7---C,它原本的意思是4级--5级--1级的简单进行,不过在4级和弦上它先出现了后一个5级和弦的根音--G,结果造成了一种很奇特的效果,使4级和弦也有了属功能,三个和弦的连接变得紧密了.先现音和延留音是调动听众胃口的极好手段,我们应该好好利用,也可以一起使用,如:F/G---G7---Csus4---C,连续使用了延留音和先现音,非常不错。
吉他即兴表演与创作基本概述
汶麟—— 中国新即兴音乐先锋旗手  中西合壁著名的Fusion乐队“丛林猫”吉他
　　　　 著名独立音乐制作人      中国最著名的民族摇滚乐队 “子曰”乐队吉他
流行音乐作品创作基础概述
现代流行音乐的创作主要是建立在通俗易懂与与传唱的基础之上的一种艺术创作手法，主要涵括歌词的创作与弦律的创作 。
当今流行乐坛歌词的创作早已打破了往日传统的词作模式，歌词无论是从深度广度新颖度等许多方面都有突飞猛进的发展，尤其是以方文山林夕等大批职业优秀词人为标志的流行歌词创作代表，正以锐不可当的才势席卷华语歌坛，为华语音乐的发展注入新的血液。
     
1．旋律的构成
2．旋律的意义
3．旋律的走向
4．旋律的进行
5．旋律的逻辑性
6．旋律独的创性 （1）风格调整 （2）节奏调整 （3）调式调整 （4）体裁调整
（5）旋律线调整 （6）速度、力度调整
7．旋律的创作
8．旋律的发展
（1）重复 （2）模进 （3）伸展节奏 （4）紧缩节奏 （5）加花变奏
9  歌曲常识
1．歌曲的体裁 （1）抒情歌曲 （2）叙事歌曲 （3）颂歌 （4）进行曲（5）舞蹈歌曲
（6）劳动歌曲 （7）诙谐歌曲 （8）说唱歌曲（英文Rap） （9）民谣歌曲（10）摇滚歌曲
2．歌曲曲式
（1）一段体 （2）二段体 （3）三段体
3．歌曲调式
（1）西洋大、小调 （2）五声调式 （3）六声调式 （4）七声调式 （5）清乐调式
（6）雅乐调式  （7）燕乐调式 （8）同主音大、小调 （9）关系大、小调
10 歌词创作
1．歌词的特点 2．歌词的句式 3．歌词的段式 4．歌词的对称
（1）句式的对称 （2）段式的对称
5．歌词的立意 6．歌词的重要性
11 词曲结合
1．酝酿与构思 2．动机的设计 3．打造中心句
12 平时素材的积累
1．中国民族音乐素材 2．世界民族音乐素材 3．中国创作音乐素材
4．世界创作音乐素材5．港台创作音乐素材
13 音乐作品的运作
1．配器 2．选择歌手 3．录音4．复制
5．寄送6．出版  7．上网
14 注意事项
1．备用专业 2．无本经营 3．简易小样 4．声乐常识 5．倒字现象
6．捕捉灵感 7．更换方案8．创作积累
作词范例 中国风代表 方文山
烟花易冷
  繁华声 遁入空门 折煞了世人   梦偏冷 辗转一生 情债又几本
如你默认 生死枯等  枯等一圈 又一圈的 年轮
  
  浮图塔 断了几层 断了谁的魂 痛直奔 一盏残灯 倾塌的山门
  容我再等 历史转身  等酒香醇 等你弹 一曲古筝
  
  雨纷纷 旧故里草木深  我听闻 你始终一个人
  斑驳的城门 盘踞着老树根  石板上回荡的是 再等
  
  雨纷纷 旧故里草木深  我听闻 你仍守着孤城
  城郊牧笛声 落在那座野村  缘份落地生根是 我们
  
  听青春 迎来笑声 羡煞许多人  那史册 温柔不肯 下笔都太很
  烟花易冷 人事易分 而你在问 我是否还 认真
  
  千年后 累世情深 还有谁在等  而青史 岂能不真 魏书洛阳城
  如你在跟 前世过门 跟着红尘 跟随我 浪迹一生
流行音乐作品制作基础概述
1计算机+标准音源+MIDI键盘+有源音箱
计算机：CPU最好选用PⅢ以上，这是因为现在最新的软件都在Windows95 及Windows98上，而且一些软件，如Cakewalk8.0乃至9.0只有在PⅢ上才能完全发挥其功能。
音源：要选择著名厂商的产品，例如：Roland SC系列、YAMAHA系列等。现在各厂家的标准音源都属物美价廉，标准音源是当前电脑音乐制作中必须的，而以后你可以根据自己的发展情况在此基础上继续添加音源。
MIDI键盘：应选择61键，这样输入和演奏更顺手一些，也可以选择标准型合成器。
监听设备：监听设备最好不要凑合，可选用专业监听级有源音箱。有时，你可以利用暂时简陋的设备制作乐曲小样，如果有必要可以到录音棚再次录制。但是如果太差的监听设备会让你的乐曲小样与录音棚中的效果相差甚远。

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2音乐制作软件
记谱类软件：Encore(美国Passoort Designs公司出品)、Finale(Coda公司出品) 作曲大师等
教育类软件：Ear Training Institute(练耳教学软件)、Earmaster(练耳教学软件，美国MIDITee Denmark公司出品)、Tonica(和声教学软件，英国Software Partners公司产品)、Teach me piano(钢琴教学软件Voyetra Turtle Beach公司产品)
音频编辑类软件：Cool Edit(美国Syntrllium Software公司出品)、SoundForge(美国Sonic Foundry公司出品)、Wavelab(德国Steinberg公司出品）Cakewalk(Twelve Tone Systems公司产品)、Musicator Win3(美国 Jo Brodtkord公司和挪威Musicator公司联合开发的产品)、  Master Tracks Pro Audio、Cubase VST、Logic Audio  Nuendo Sonar
多轨录音类软件：Samplitude 496(德国SEKD 公司产品)、Vegas（美国SonicFoundry公司产品）Vegas等。
自动伴奏类软件：TT作曲家（中音公司开发）、Band In A Box、Jammer(Sounddtrek公司产品)。
效果器插件类软件：TC Native、Dsspfx Virtual pack、VST（虚拟录音棚技术）系列（Steinberg公司开发产品）等。
软件音源： Reality(美国Seer System公司产品)、Sxg100(日本YAMAHA公司产品)、VSC-88(日本Roland公司开发产品) 罗兰等
3音乐制作预备
EQ黄金定律
1.如果声音浑浊，请衰减250hz附近的频段。
2.如果声音听起来有喇叭音，请衰减500hz附近的频段
3.当你试图让声音听起来更好，请考虑用衰减
4.当你试图让声音听起来与众不同，请考虑用提升
5.不要放大原先没有的声音
超低音域： 20Hz-40Hz，适当时声音强而有力。能控制雷声、低音鼓、管风琴和贝司的声音
。过度提升会使音乐变得混浊不清。 低音域： 40Hz-150Hz，是声音的基础部份，其能量占整个音频能量的70%，是表现音乐风格的重要成份。 适当时，低音张弛得宜，声音丰满柔和，不足时声音单薄，150Hz，过度提升时会使声音发闷，明亮度下降，鼻音增强。
31hz 隆隆声，闷雷在远处隆隆作响。感觉胸口发闷。
50hz，这是我们常用的最低频段，这个频段就是你在的厅外听到的强劲的地鼓声的最重要的频段，也是能够让人为之起舞的频点。通过对它适当的提升，你将得到令人振奋的地鼓声音。但是，一定要将人声里面所有的50hz左右的声音都切掉，因为那一定是喷麦的声音。
65hz 有深度，所谓“潜的很深”
70～100hz，这是我们获得浑厚有力的BASS的必要频点，同时，也是需要将人声切除的频点。记住，BASS和地鼓不要提升相同的频点，否则地鼓会被掩没掉的。
125hz 隆隆声，低沉的，心砰砰直跳。温暖。
中音域： 150Hz-500Hz，是声音的结构部分，人声位于这个位置，不足时，演唱声会被音乐淹没，声音软而无力，适当提升时会感到浑厚有力，提高声音的力度和响度。提升过度时会使低音变得生硬，300Hz处过度提升3-6dB，如再加上混响，则会严重影响声音的清晰度。
500Hz-2KHz，包含大多数乐器的低次谐波和泛音，是小军鼓和打击乐器的特征音。适当时声音透彻明亮，不足时声音朦胧。过度提升时会产生类似电话的声音。
2KHz-5KHz，是弦乐的特征音（拉弦乐的弓与弦的摩搡声，弹拔乐的手指触弦的声音某）。不足时声音的穿透力下降，过强时会掩蔽语言音节的识别。
200～400hz，这个频段有如下几个主要用途，首先是军鼓的木质感声音频段；其次，这是消除人声脏的感觉的频段；第三，对于吉它，提升这个频段将会使声音变的温暖；第四、对于镲和PERCUSSION，衰减这个频段可以增加他们的清脆感。其中，在250hz这个频点，对地鼓作适当的增益，可以使地鼓听起来不那么沉重，很多清流行音乐中这样使用。
250hz声音饱满或浑浊，气声，鼻音。提升后会很浑浊。衰减3dB可以增加清晰度
400～800hz，调整这个频段，可以获得更加清晰的BASS，并且可以使通鼓变得更加温暖。另外，通过增益或衰减这个频段内的某些频点，可以调整吉它音色的薄厚程度。
500hz 汽车喇叭声
600HZ 声音硬度，厚度。提升后人声会很生硬，衰减后人声会苍白无力。适当衰减会使声音更温暖
800～1khz，这个频段可以用来调整人声的“结实”程度，或者用于增强地鼓的敲击感，比较适用与舞曲的地鼓。
1k～3khz，这个频段是一个“坚硬”的频段。其中，1.5k~2.5k的提升可以增加吉它或BASS的“锋利”的感觉；在2～3k略作衰减，将会使人声变得更加平滑、流畅，否则，有些人的声音听起来唱歌象打架，你可以利用这样的处理来平息演唱者的怒气！反过来，在这个频段进行提升也会增加人声或者钢琴的锋利程度。呵呵。总的来说，这个频段通常被成为噪声频段，太多的话，会使整个音乐乱成一团，但在某种乐器上适当的使用，会使这种乐器脱颖而出。2khz 咬碎东西的声音，踩的嘎啦啦作响。
4000HZ 金属感，镶边，锋锐感。使声音听起来很像钢管里发出来的声音

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高音域
7KHz-8KHz，是影响声音层次感的频率。过度提升会使短笛、长笛声音突出，语言的齿音加重和音色发毛。
8KHz-10KHz 合适时，三角铁和立*的金属感通透率高，沙钟的节奏清晰可辨。过度提升会使声音不自然，易烧毁高频单元。
8000HZ 高频哨声或齿音，轮廓清晰，声音的清淅度。提升后会很刺耳很尖锐。女声在高频部
15800HZ 空气感。高音的明亮度。如果齿音过重，在8000HZ那里衰减消除S音后，又想增加高音的明亮度，可以试图提升这一项来达到目的。所以，EQ是根据每个人的音质和的需要来调整的，不会有一个固定的参数，只要记住这些频点的用法，按步就班，相信很快你就可以找到适合自己的EQ参数了。最佳标准：让声音最自然，饱满而柔和。
3k～6khz，声音在3k的时候，还是坚硬的，至于6k，提升这个频点可以提升人声的清晰度，或者让吉它的声音更华丽。
6k～10khz，这个频段可以增加声音的“甜美”感觉。并且增加声音的空气感，呼吸感。并可增加吉它的脆声音（但要注意，一定不要过量使用）。PERCUSSION、军鼓和大镲都可以在这个频段里得到声音的美化。并且，弦乐和某些的合成器综合音色，可以在这个频段得到声音的“刀刃”的感觉（我实在不知道该怎么形容这样的声音）。
10k～16khz，提升这个频段会使人声更加华丽，并且能够提升大镲和PERCUSSION的最尖的那个部分?。但是，需要注意的是，你一定要首先确认这个频段内是有声音存在的，否则的话，你所增加的肯定是噪声。16khz 空气感一些常用频点的作用
4音乐制作步骤；
第一步：降噪 普通话筒降燥60％会比较适合，过多的话会使声音失真。而一般人只降一次燥，在这里我建议，不要一次性降60％，你可以第一次降30％，第二次降20％，第三次降10％，这样降燥的效果的失真情况会明显降低。当然，降燥的百分率，还是要根据个人的麦克风效果来定了。最佳标准：噪音尽量小，失真尽量少。
第二步：BBE激励器 BBE是用来补尝人音音质不足的一个很，但根据每个人的音质不同和歌曲的要求不同，这就要求自己一边预览着听再一边调。最佳标准：低音饱满但不浑浊，高音明亮但不尖锐。
第三步：压限(推荐Ultrafunkfx CompressorR3) 这一步一定要做，压限能让人声不会时大时小。这里主要说一下比较好的参数(您可以保存成预设)：作用阙值：-12.0 比率：6.0 强度:12 起始缓冲：2.5ms 结束缓冲：500ms 限制器：开 自缓冲：开 (其他的不变) 人声一般只需要压限一次。如果你录的时候声音大小气息强弱方面控制得太差，请压限两次。最佳标准：声音大小均匀。
第四步：EQ均衡器(推荐Ultrafunkfx EqualizerR3) 在实际运用中，EQ确实是一个很复杂的插件，为什么那么多人放弃了做EQ，因为EQ是一个让菜鸟很头疼的插件，完全不懂得怎么运用，但我觉得EQ的作用是后期制作中最重要的一步，可很多人在做后期效果的时候，只是降燥，混响就OK了，这样的效果很大众话，并且也没想像中那么好。所以，要想效果出类拨粹，就得用好EQ参数。因为这一步的理论性太强，所以我就简化的讲下重点：在Ultrafunkfx EqualizerR3插件的窗口中，有六个频点，大家把我例出的这六个重要的频点从上到下依次填进去：30hz 250hz 600hz 4000hz 8000z 15800hz，Q值：均为 0.5。然后根据下面所讲的理论，来进行调整： 分容易产生S音（嘶声）衰减3dB可以消除S音。
第五步：混响(推荐:Ultrafunkfx ReverbR3)
低频切点：参数值越小，声音越低沉越深沉，理想值：250HZ-500HZ。
高频切点：参数值越大，声音越有穿透力，给人以空旷感，像是在山间歌唱。理想值：2.5KHZ-5KHZ。
早期反射：对声音的延迟残声(可能不好理解，那么，你看见过电视里武打片里决斗时候人的残影吗，这是同样的道理)，参数单位是MS，如果你设置100MS，那么在声音发出100MS后，会出现延迟的残声。理想值：-INF（也就是关闭这个效果），如果确实需要，请控制在50MS以内。
空间广度：模拟声音所处的环境，声音的位置感。参数值越小，越像在房间里唱歌，参数值越大，越像在空旷地带唱歌。理想值：我个人喜欢空旷地带的感觉，所以这个值推荐80-100。
扩散程度：作用于空间广度的参数。作用是加强或减弱空间广度的效果强度。理想值：50％-65％。
低混比率：控制“分频点”“残响时间”“高频衰点”三者的混响强度。理想值：0.3X-0.6X。
分频点：作用于残响的声音，参数值越小，残响的声音越清亮，参数值越大，残响的声音越高亮。理想值：不要低于100KHZ。
残响时间：所有混响音量的延迟残声时间长度，类似于“早期反射”，只是“早期反射”
控制的是干声，而“残响时间”控制的是所有混响音量。理想值：慢歌1.0S－1.4S　快歌0.7S-1.2S。高频衰点：这一项很意思，也很有用。给我的感觉，参数值越大，声音越磁性，湿润，具有穿透力。适当的调节，效果会很明显。理想值：如果你的嗓音条件不错，适用5KHZ-10KHZ，嗓音比较干的，适用8KHZ-13KHZ。快歌效果应该在这个基础上衰减2KHZ-4KHZ。
原始干声：干声的音量大小控制。调节这个参数，只影响原始干声的音量，并不作用于除“原始干声”外的所有的混响参数音量。参数值越小，人声离麦克风越远。理想值：-2DB　---　1DB。
早反射声：“早期反射”的音量大小控制。理想值：-INF.　如果打开了“早期反射”，这个参数请控制在-30DB以内。
混响音量：除“原始干声”外的所有的参数调节的音量输出总和。慢歌，-10.5DB　－－－　-8.5DB，快歌，-11.DB　－－－　-9DB。其他值均不变。最佳标准：模仿和参照原版的效果做，力争接近原版。

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5各音轨EQ调节简述
    1.底鼓(Kick Drum)：常见的有三种底鼓
    第一种称之为“80年代蓬头底鼓”强而有力、富含中频、含有重击的"砰"声，想得到这种比较怀旧的底鼓声音，可以先过滤掉60Hz以下的频率，然后根据情况在78-84Hz提升3到6dB(Q值大约为1)，使之听起来象是敲在你的胸膛上。接下来在1.5-2.5kHz提升大约6dB来增加"砰"声(Q值在1.5-2.5比较适合)，最后在120Hz降大约4dB(Q值1.0)。参数可以反复调节直至听起来象"White Lion"的作品。
    第二种是当今最流行的"Bonham"摇滚底鼓，通常在120-240Hz提升4dB或更多来得到这种声音，还需要过滤掉1.5kHz以上的所有频率，有时候可能需要在80Hz略降低1-2dB、在60略提升2-3dB。
    还有一种现在常用的底鼓：比较空、有摩擦声，想得到这种声音，你可以过滤掉100Hz以下的所有声音，在125Hz提升大约3dB，在250-350Hz提升大约4dB。然后过滤掉2kHz以上的所有频率。
    2.军鼓：目前有两种使用最广泛的军鼓类型：一种紧凑、有力，另一种松散、比较长(通常用于ballads风格的歌曲)
    首先，任何军鼓都不需要150Hz以下的声音，所以把它们过滤掉。军鼓的中心频率通常在1kHz附近数百Hz的频段内，所以在这一频段提升3-6dB通常会非常有益。
    对于紧凑型军鼓，你可以尝试分别提升中高频(5kHz附近)、部分高频(8-9kHz)，提升量可以从3dB开始逐渐上升，左右变化一下提升的频点直到得到理想的效果。过滤掉250Hz以下、11kHz以上的频率会使这种军鼓听起来很舒服。
    对于松散型军鼓，需要在低端(250Hz附近)进行一些提升，我通常提升6dB。高频不用象紧凑型军鼓那样大幅提升，但在7kHz附近略作提升通常会有益处，再往上的频段可以过滤掉。关键是中频，先把提升的频点在800Hz-2kHz之间移动，找到那个能引起共鸣的频点，然后调整一下提升的幅度和Q值。对于这种军鼓，往往需要加上启动时间(attack time)较长的压缩、较重的混响来与之配合。
    3.钹(cymbal)：对于这些富含高频的鼓件，可以降低4kHz以下的频率，根据情况提升高频区(10-14kHz)大约3dB。
    4.沙锤(shaker), 手铃(tambourine), 手鼓(conga)、拍手(hand clap)等：沙锤(shaker)和手铃(tambourine)很相似，要明亮并且贯穿高频区，对于沙锤，我通常过滤掉2kHz以下的所有频率，略提升高频，比如在9kHz提升6dB；手铃要略带叮当声，所以我过滤掉800Hz以下的频率，在1.5或2kHz提升4dB，在7kHz略作提升。
    对于手鼓(conga)，通常用扫频的办法可以找到那个引起共鸣的频点，根据情况略作提升或降低。需要注意的是不能提升过多，尤其是共鸣频点较低的时候，可能与鼓和贝斯形成干扰。为了突出conga的冲击效果，我通常在中频(5kHz附近)略作提升，比如提升6dB。
对于拍手声，可以通过提升中低频使之厚实，通常在250Hz提升2dB(Q值1.5)。同样为了加强冲击力，可以提升中频(在1.5kHz附近提升约4dB)和高频(在8kHz附近提升2-3dB)。
    5.钢琴：如果钢琴是主要乐器，只与人声或少量陪衬乐器构成音乐，这时可不必做太多调整，如果没有贝斯，我通常会略微提升低频(140Hz附近)，另外可以在高频区(8.5kHz附近)略作提升，比如3dB。
    如果钢琴与其他7-8种乐器一起构成非常丰满的音乐，则需要对钢琴做一些衰减的均衡处理。由于钢琴的弹奏多集中在中音区，因此你可能需要在中频区(3或4kHz)略作衰减使之听起来不那么"honky"。过滤掉140Hz以下的频率，因为这段频率毫无疑问会与底鼓和贝斯形成干扰。在8kHz附近略作提升可以使高音键听起来更明亮。另外尽量使中频到高频的过渡自然些。
     6.电贝斯：电贝斯的种类很多，处理的方法也不一样。我最喜欢的是这种贝斯：丰满、厚重、每个音符都很突出。对于这种贝斯我通常这样处理：过滤掉100Hz以下的所有频段，降低520Hz以上的频段，在260Hz提升6dB使音调变得丰满，在730Hz提升3dB来增加拨弦的噪声，然后再配合适当的压限效果器，就可以产生这种适用于多种音乐风格的贝斯声音了。
    对于击弦贝斯(slaps and punches)，处理方法大体同上，但有两处不太一样：不必从520Hz就开始降低高频，在中频(2kHz附近)提升4-6dB突出slap声；低频过滤点可以设在50Hz，以便保持足够的隆隆声。
    7.电吉他：与钢琴一样需要根据整个作品的配器来决定处理方法。如果只有一轨电吉他外加鼓与贝斯，可以让电吉他听起来响亮；如果有好几轨电吉他，另外还有钢琴、电钢琴、打击等乐器，就必须让电吉他在频谱中占据合理的位置，从而融入到音乐中。
    对于第一种情况，只要不与贝斯发生冲突，可以尽可能的响亮，我处理那种只有一个吉他手的小型摇滚乐队时，会尽可能提升电吉他的低频，通常会在160Hz提升3dB以上，同时注意与贝斯相融合。另外根据电吉他的声音特点可以在700-800Hz稍作提升。有时需要突出中频，可以在3kHz附近提升。如果想要得到那种压碎般的声音(crunchier)，可以在高频区(7kHz)提升6dB左右。同样，把不需要的低频和高频过滤掉——这是一个好习惯，但要仔细听，以免过滤掉有用的泛音和谐音。
    对于第二种大型乐队的情况，假设还有另外两把电吉他。首先过滤掉200Hz以下和9kHz以上的频率，重点是中频，可以先通过扫频来判断哪些频段需要提升、哪些频段需要衰减。我发现提升4kHz、衰减6kHz通常能取得好的效果，但有时却正好相反，主要取决于作品的整体要求。对于有多把电吉他同时演奏的情况，要确保其声音略有不同，否则听上去会非常刺耳。
    8.木吉他与弦乐：对于不同的混音作品，木吉他的均衡处理会有极大的不同。
    一个与鼓、贝斯、钢琴、电吉他、打击乐以及大量人声一起演奏的木吉他均衡处理。我过滤掉了90Hz以下的所有频率，在360Hz作了少许提升。在中频、高频作了相当大的提升：在2kHz提升了10dB，在7.1kHz提升了9dB，这样处理后木吉他听起来的确比其他乐器都要明亮了。
    来看图七，这首作品里除了木吉他外只有人声、少量打击乐器。为了使木吉他听起来更饱满，我把低频过滤点降低到了43Hz，在166Hz提升了3.4dB。中频提升点放到了3.1kHz，只提升了7dB，用更平滑的均衡曲线在高频区(7.1以上)提升了9dB。
    弦乐的均衡处理与木吉他非常类似，在乐器很多的音乐里，我通常会过滤掉大部分低频，然后在中高频(7kHz)提升大约4dB，最后也许会在高频区(10kHz)用坡形曲线做提升来增加一些空气感。
    9.铜管和木管乐器：通常中频比较突出，处理好中频非常重要。对于象小号这样的乐器，低频过滤点可以设在200Hz甚至更高，在对中频进行处理时要注意避免混浊。
    对于那些低音突出的铜管乐器来说，情况正好相反，需要过滤掉高频部分，比如过滤掉9kHz以上，通常要提升中低频，比如1.5kHz附近。对于大号，记住一定要过滤掉40Hz以下的频段，以免引起某些音箱发出低频噪音。
大多数木管乐器需要突出气流声，通常可以通过提升9kHz以上的频段来达到这一目的。巴颂管可以演奏非常低的音符，所以不要过滤掉它的低频。但对大多数木管乐器来说，过滤掉低频是有益的。

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  10.主唱：往往需要在音乐里处于显著、靠前的位置，通常可以通过提升中频来实现。主唱是音乐最关键的部分，要求能听清每一个字又不让人感到烦扰。对于不同特点的人声，处理方法各不相同，需要通过多听来判断。
    有一点必须要注意，男声和女声的处理方法有很大的不同，我前一阵刚完成一首男女声二重唱歌曲，男歌手和女歌手在同一个录音棚录音，用的都是U67话筒，但声音的差别让我大吃一惊。
    我对他们分别进行了均衡处理，见图8(抱歉在原文里没有找到图例)。男声我用坡形均衡曲线在高频区提升了1dB，女声我在8.8kHz衰减了3dB。由于男歌手那天感冒了，鼻音较重，所以我在5.1kHz衰减了5dB，在7.5kHz提升了2dB。女声的低频区我分别在733Hz和283Hz提升了4dB，目的是用女声低频来补充男声。有趣的是我对男声和女声都在2.5kHz作了提升，可见提升中频对于人声来说有多重要。
11.背景人声：有两种类型的背景人声，一种是标准的高八度合唱，我通常使用与主唱相同的均衡设置；另一种是有3-4个不同声部的背景和声，声像范围跨越整个声场，这时我会使用不同的均衡设置，要让他们听起来富有空间感并且超凡脱俗：对于高声部和声，我通常过滤掉400Hz以下的频率，对于低声部和声，过滤掉100Hz以下的频率，在不丧失合唱清晰度的前提下尽可能的降低中频(1-4kHz)。在中高频和高频我做了较大提升，直到听前来犹如天使发出的声音。
     12.念白：对于那种不许要与音乐相融合的念白，可以让声音尽量厚重，尽可能保留更多的低频。如果想让宣讲者的声音听起来犹如上帝般宏亮，可以根据情况提升60Hz及120Hz。然后提升7kHz附近的高频。有时需要降低一点中频，但要注意不要丧失声音的清晰度。
音乐演唱（注意事项）
一般没有学过声乐的人发声很平，就用平常说话的位置（嗓子）发音，我们叫它声音发“白”， 没有色彩、没有过滤。音乐作品唱歌要比说话嘴型要夸张，这样吐词才会更清晰、气息更通畅、更宜于表达情感。
1 共鸣 声音应该以小腹为根源，想象声音透过后脊梁，到脑后，到口腔后根，整个声音应是竖立的，靠后的。请找一找这样的感觉：你大口咬一口苹果，露出上牙齿，在一口咬下去的同时，发出“嗯”的声音，感觉声音在口腔后部和鼻腔上部的位置，这就是美声发声的一个共鸣点。接下来把气息下沉，小腹膨胀，稍在小腹用力一顶，在刚才的位置发声，男声喉结压下，女声多注重声音在脑后靠上的位置，你会发现声音比以前要大多了。经常靠墙练习有助于发声，因为靠墙可以接触你的后脊梁，让你更容易找到感觉，并且胸腔的共鸣能和墙产生共振，让你更容易找到胸腔共鸣的感觉。先从“米～妈”的练习开始，逐步升高，有助于练习高音气息；再从高往低练习，这样反复，总有一天你会找到感觉的。美声讲究“通透”，经常想象自己的声音是竖立的，而不是扁平的；另外还讲究的是“共鸣”，声音通过胸腔或胸腔以上的共鸣后，会很圆润、饱满。要体会共鸣，你可以这样做：闭上嘴巴，发出“嗯”的音，稍带点深情的感觉，“嗯”的长一点，会感觉头和胸前在震动。
2 肺活量，歌手演唱需要较大的肺活量，比如一些很长、不换气的某句旋律，可不要唱完以后面红耳赤、只喘粗气。肺活量要经常锻炼身体才能保持。还有就是掌握一定的技巧可以弥补一些肺活量不足的现象。首先就要练气息，好的发声方法它能很好的控制声音通过嗓门的流量。
3 高音 唱高音的时候，气息一定是以小腹、丹田为根基的，京腔讲究“丹田气”也是指的这种发声位置，找找感觉，假如地上有一块很大的石头，把它搬起来吧。你一弯腰，嘴里数数：“一、二、三、走……”，我想这个“走”字你一定用了气息。
4中低音  低音是要靠胸腔共鸣和宽大的嗓音结构才能体现的，先天性比较强 唱低音要胸前和嗓子放松，用叹气的方式可以加强一些共鸣，实在很低的地方可以加些气息产生口腔共鸣，会感觉声音浑厚一些。但不管怎样，嗓音天生浑厚的人的发挥余地要多得多。
5颤音 实质是用气息演绎歌曲的时候，强大的气流冲击口腔和鼻腔后部所产生的震动，小腹给予气息的压力产生了气流。

lostkings

收藏了，不错，我学习了啊

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欣赏了，谢谢楼主发布啊 ，我收藏了啊！